La historia del "Megamix"

Los comienzos del mix:A finales de los años setenta, nació un nuevo concepto musical entre los discjockeys norteamericanos que consistía en recopilar temas de actualidad (de actualidad de entonces, se sobreentiende.) e incluirlos en un montaje de forma enlazada.De este modo se lograba conseguir un alto nivel estético que a la vez era bailable.
Al principio, los discos-mix se grababan en cinta magnetofónica sin llegar a editarse en disco, ya que eran trabajos realizados a nivel personal y que únicamente se escuchaban en la sala o discoteca donde trabajaba su creador.
La aceptación de público llegó a ser muy importante, lo que originó un mercado pirata de cintas que posteriormente se convirtieron en discos. La mente de los directores de las discográficas americanas no estaba preparada para esto y solo reaccionaron varios años mas tarde, cuando comprobaron el alto nivel de ventas que alcanzaban las producciones de mixes piratas.
Los discos-mix piratas que alcanzaron mayor número de ventas fueron el "SummerDance 1000, vol. 1" y "Summer Dance 1000, vol. 2" realizados por dos DJ’s muy famosos en aquella época; Cita y Rogers.
El primer disco Mix legal americano fue "The Aventures Of Grandmaster Flash On The Wheels Of Steel" , con una duración de 7’03 minutos, realizado por Grandmaster Flash (foto) & The Furious Five en 1981. En este Mix se incluyen temas de Chic, Blondie, Queen, Sugarhill Gang, Furious Five y Spoonie Gee.





En Europa comenzó la moda del Mix cuando importantes cadenas de discotecas norteamericanas se instalaron en Italia.

En los años ochenta, la moda del Mix comenzó a ser una realidad, y a partir de entonces, los DJ’s empezaron a progresar investigando nuevas técnicas en la realización de mezclas, haciendo de los "discos-mix" auténticos números uno en ventas.


El Mix en España:

El "Boom" del sonido disco durante los años setenta y la evolución del dance dan a conocer la figura del discjockey de una forma extraordinaria.

Los primeros discjockeys españoles que se unieron a la moda del Mix fueron Raúl Orellana, Mike Platinas y Javier Ussía, Toni Peret y José Mª Castells.Posteriormente les seguirian otros como Dimas Carbajo, Marcos Calvo, JuanMa Ortega... De todas estas bienpensantes mentes surgirian títulos legendarios como la saga de los"Max Mix", la saga de los "Boleros", "Studio 54 Connection", "Más Mix Que Nunca", "Discjockey Mix", "Don Discomix", "Sanni Dance Mix", "Key Mix", "Matrícula Mix", etc.

Al principio de los años ochenta aparece el disco "Studio 54 Connection" realizado por Raúl Orellana convirtiéndose en la primera sesión de discoteca "legal" grabada en España.

La concepción y la estructura de los primeros mixes se basaba en el montaje analógico utilizando un magnetófono de bobina abierta, dos platos giradiscos y un mezclador.
Muy pocos profesionales eran los que podían realizar este tedioso y dificil trabajo.No se trataba solo de mezclar canciones, hablamos de hacer un autentico puzzle a base de pequeños fragmentos de bobina de cassette, pegadas, cortadas, empalmadas... Gracias a la espectacularidad de los resultados de estas producciones, la figura del discjockey empieza a darse a conocer de una forma poco habitual; entrevistas en las emisoras de radio, fotos en las portadas de los discos, actuaciones, etc.

El "Max Mix" realizado por Mike Platinas y Javier Ussía en 1985, fue el primer disco de mezclas que introdujo un nuevo concepto dentro del mundo de los mixes; el Megamix.
Repeticiones de pequeños fragmentos, secuencias con diferentes cambios de nota, perfección en el orden de los compases y muchos otros efectos más eran incluidos en un Megamix.

Con la aparición en España del disco "Más Mix Que Nunca" también realizado por Mike Platinas y Javier Ussía en 1986, se introduce otro nuevo concepto; el montaje digital, con el que se logran multitud de efectos nuevos y sorprendentes.

Vocabulario basico:

Cassette de bobina: Era como un cassette, pero a bobina. ( Mas claro, el agua. ). En serio, era el antecesor directo de la cinta de cassette. La bobina magnetica , en lugar de estar cubierte por una carcasa plastica, como por ejemplo las cintas, estaba al aire.

Sample / Sampler : El "Sample", tambien llamado "muestra", para que nos entendamos, es un pedacito de canción. Bien sea un golpe de bateria, una voz, un grito o un riff de guitarra, esa pequeña muestra se utilizaba para repetirla, mezclarla, solaparla en otro trozo de canción, etc, y asi crear diversos efectos. El "Sampler" solia ser o bien un organo electrónico de los de la época, con una capacidad de almacenamiento de samples muy limitada, tanto en calidad de sonido como en tiempo por cada muestra, o bien algunos de los primeros ordenadores personales de 16 bits, como por ejemplo, el Commodore Amiga o el Atari ST.

Scratch: En inglés, "arañazo". Es el sonido que se produce al parar o invertir bruscamente el movimiento del disco en el tocadiscos.Se solia combinar con subidas y bajadas de volumen en los canales utilizados en la mesa de mezclas.

Mesa de mezclas: Dispositivo electrico o electrónico que permite la fusión de varios sonidos procedentes de varias fuentes en uno solo. Cada sonido entraria a la mesa de mezclas de forma autonoma y su volumen se podia regular de forma independiente. Una buena mesa de mezclas permite ademas modificar graves, medios y agudos y agregar efectos, como el Pan (cambiar por cual de los altavoces va a salir el sonido), Echo ( Eco ), Crystal ( Hacer que las voces suenen "cristalizadas"), y muchos otros similares. Las mesas de mezclas mas evolucionadas de las actuales miden incluso la velocidad de los temas en B.P.M ("Beats Per Minute", golpes por minuto), lo cual es una gran ayuda a la hora de mezclar, puesto que casando las velocidades y acompasando los ritmos de los temas que suenan, la mezcla está practicamente resuelta.

Curiosidades y cosas raras :

- En los comienzos, los Megamixes se grababan utilizando discos de vinilo.Para evitar perder calidad de sonido en el resultado final por el deterioro propio de los vinilos empleados, en las grabaciones se usaban varias copias iguales de cada uno de los temas.

- Los primeros Megamixes se grabaron con samplers que apenas tenían un par se segundos de muestreo, y las secuencias largas tenían que grabarse por trozos y luego pegarlas cortando cinta.

- El Max Mix 2 se grabó en tres semanas con tan sólo 2 platos, una mesa de mezclas y un magnetófono a bobina. El master original tiene 635 cortes y se llegaron a vender 200.000 copias.

- El Max Mix 3 y el Más Mix Que Nunca fueron los primeros Megamixes en España en incorporar efectos utilizando un sampler.

- El Max Mix 6 fue el primer Megamix en el que se utilizó multisampling, es decir, secuencias de efectos realizadas con varias muestras distintas sonando encadenadamente.

- El Atlantis Mix se grabó utilizando los acetatos originales de los temas, porque aún no estaban acabados los vinilos.

- El NRG4U llegó a tener hasta 4 entradas diferentes, no publicándose la mejor. Para realizar esta entrada, Mike Platinas utilizó los samplers Korg DSM1 y Akai S900 para cortar en trocitos los temas originales, y un secuenciador Alesis MMT8 programado "paso a paso", lo que hizo que el "Never Gonna Give You Up" de Rick Astley sonara con la secuencia de bajos del "I Don’t Want To Be A Hero" de Johnny Hates Jazz. Para realizar esta secuencia experimental fueron necesarias dos semanas de trabajo. La mejor entrada no se incluyó por problemas legales de fragmentación.

- El Más Mix Que Nunca fue secuestrado del mercado español por oscuros motivos legales, llegando a vender, antes de su secuestro, 35.000 copias en diez días y sin promoción. Por una copia en vinilo del Más Mix Que Nunca se puede llegar a pagar en la actualidad mas de 200 euros, siendo considerado como el mejor Megamix que se ha realizado, teniendo en cuenta los medios técnicos utilizados para su creación.

- El primer montaje de Mike Platinas fue alargar el break del "Billy Jean" de Michael Jackson hasta 2 minutos con el fin de mezclar encima, para lo cual utilizó un magnetófono de bobina y su habilidad para cortar y pegar cinta.

- Quique Tejada comenzó su carrera musical a los 14 años de una manera que nada tiene que ver con su ocupación actual, en una emisora municipal, y presentando un programa de radio dedicado a la cultura popular catalana (Sardanas, para que nos entendamos.).

- Jordi Carreras grabó el Megamix del disco "Sábado Noche" utilizando un CD portátil, un magnetófono a cinta y un sampler manual incluido en una mesa de mezclas. Este Megamix se utilizó únicamente para la promoción y no fue incluido en el disco. Es uno de los mejores Megamixes nacionales.

Sellos discográficos:
El primer sello discográfico que edita un mix en España es Blanco y Negro Music. Se funda en 1982 y un año después graba la primera sesión desde la mítica discoteca Studio 54 de Barcelona. El disco en cuestión es el "Studio 54 Connection" y descubre discográficamente a un joven discjockey llamado Raúl Orellana ( foto ). En 1986 aparece en el mercado discográfico el "Bolero Mix" que será el primero de una larga saga de exitosos mixes.
En 1990, Quique Tejada toma el relevo que deja Raúl Orellana en la creación de mixes para la compañía.





Miguel Degá y Ricardo Campoy fundan en 1984 el sello Max Music la cual apuesta por Mike Platinas y Javier Ussía ( foto) para lo que se da a conocer como "el primer megamix español". El "Max Mix" aparece en el mercado discográfico a principios de 1985 creando un nuevo fenómeno que arrasa en las listas de ventas durante la segunda mitad de los años ochenta.





En 1986, Max Music ficha a Toni Peret y José Mª Castells (foto) para continuar con saga de megamixes a partir del Max Mix 3.

Otras sagas como "Máquina Total" y "Lo + Duro" son referencias de este sello discográfico. En 1995, y tras la marcha de Quique Tejada de Blanco y Negro Music, Max Music lo contrata para crear, junto a Toni Peret y José Mª Castells, lo que comercialmente se viene a llamar "Dream Team". Bajo este nombre se crean títulos como "Dream Team Mix", "Lo + Duro 5" o una nueva versión del "Max Mix" con el subtítulo de "el auténtico megamix".

En 1997 y tras la salida de la compañía del trio Peret-Castells-Tejafa, Max Music contrata una década después a Mike Platinas para continuar con varias sagas como la de los "Bombazo Mix" o la de los "Máquina Total". Problemas internos de la compañía salpicados con algún escándalo que salta a la prensa, acaban con la andadura de este mítico sello en España.

Después de participar en la creación de Blanco y Negro Music, Jaime Buget y su esposa Ana Morán dejan dicha compañía y en 1986 fundan Ginger Music / Boy Records. Durante la segunda mitad de los años ochenta editan discos de mezclas tales como "Polo Mix" o los "Jive Bunny and the Master Mixes". En el año 1993 aparece la primera edición de la saga "Puzzletron", mezclado en esta ocasión por Jordi Carreras.

Durante la segunda mitad de los años noventa, la compañía cuenta con el dúo de discjockeys formado por Dani Valdés y David López Gausa (DEE DJ’s) para crear los mixes de los recopilatorios de la saga “Puzzletron”, así como los de otros discos tales como “Boyz s Mix”, “Boy a Tope” o “Bad Boys”

Sanni Records se funda en 1983 y tres años después lanza al mercado el primer volumen de los recopilatorios "Sanni Dance Mix", mezclando a grupos tales como Erasure, Wax, Yazzo o los Depeche Mode. Dimas Carbajo (Dimix) es el encargado del montaje y los scratch que aparecen en estos discos.

- En 1986 surge el sello Metropol Records siendo la discográfica que lanza a la fama a discjockeys de la talla de Quique Tejada y Oriol Crespo. Quique Tejada graba su primer megamix llamado "Indiana Mix" y "Bat Mix" junto a Oriol Crespo. Este último se encarga, bajo el seudónimo O.C.P., de crear los megamixes para los recopilatorios "Dance & Techno". Desde finales de los años noventa, Metropol Records es distribuidora de música de importación.

En 1986 también nace el sello Don Disco Productions fundada por Miquel Casas. Su primer megamix fue el "Don Disco Mix", contando con los populares Mike Platinas y Javier Ussía. Para la segunda edición de este disco, el "Don Disco Mix 2", cuenta con el trio formado por el productor J. Stephanelli, por Gino y por un joven discjockey de Radio Barcelona FM llamado Juanma Ortega. Con final de la música Italodisco desaparece este sello discográfico.
Desde Badalona se crean en 1986 el sello Key Records International. Desde esta compañía se editan títulos como "Discjockey Mix" y "Atlantis Mix" de Mike Platinas y Javier Ussía. Para el "Discjockey Mix 2" la compañía cuenta con los discjockeys Marvin Howell y Jimmy Brown, dándole a este disco una excepcional campaña publicitaria. En 1988 se edita el "Discjockey Mix 3" poniendo fin a este sello discográfico.

Grind se funda en 1987 y cuenta con Dimas Carbajo para crear "Grindy Mix". Un año después la compañía edita "Dos Grindys Discomix" y "Bimix" de Jordi Carreras, Oriol Crespo bajo la supervisión técnica de Mike Platinas. Jordi Carreras también graba un mix inédito llamado "Sylvester Megamix" para esta compañía.

En 1987, Mike Platinas y Javier Ussía crean su propio sello discográfico llamado Jump (Javier Ussía Mike Platinas). Editan los discos "Master Mix" contando con el grupo "Hombres G" y "Master Mix 2" mezclando varios temas House del momento.

En 1988, Mike Platinas y Javier Ussía vuelven a crear otro sello discográfico llamado Nrg. Desde este sello se apuesta por dúo "Scratch Boyz" que son Jordi Carreras y Oriol Crespo, contando con este último para los discos "NRG4U" y "NRG4U vol.2". Después de estos discos de mezclas el sello desaparece.

En 1997, nace el sello Vale Music y ficha a Toni Peret, José Mª Castells y Quique Tejada para crear los megamixes incluidos en los recopilatorios de la compañía. Se editan discos con títulos como "Crónicas Marcinas Mix", "Dance Mix U.S.A." o "It's Your Time".

Con el nuevo siglo, Vale Music abandona definitivamente la creación de megamixes siendo "Portalmix" y "Area The Secret vol. 2" sus últimas referencias discográficas en cuanto a Megamixes se refiere.
Para realizar este articulo, aparte de las vivencias propias como DJ, hemos utilizado la base de una entrada en internet de Radio Morata : http://www.radiomorata.com/foro-phorum/read.php?1201,14444 , asi como de las páginas web www.italomix.com y www.pasionmix.com , todas ellas altamente recomendables.

Generación mod

¿Qué carajo es un mod? Probablemente esta pregunta tiene tantas posibles respuestas como gente dispuesta a contestar, porque si algo caracterizó a este movimiento fue precisamente por su gran individualismo. Hoy en día seguramente resulte estúpido pero, en una época en la que cada canción tenía su propio baile, a veces explicado en la letra del tema (¿quién no sabe cómo se baila la yenka?), resultaba casi antisocial que los mods bailaran cada uno como les venía en gana, por ejemplo.

Aún así, por hacer un retrato robot de un mod prototípico, diremos que solían ser chicos provenientes de la clase obrera que a finales de los años 50 decidieron abandonar sus estudios y ponerse a trabajar para poder dar rienda suelta a su hedonismo. Comenzaron a frecuentar clubes de modern jazz (lo que seguramente fue fundamental en la denominación mod) aunque muy pronto pasaron al ska, al soul, al rythm ‘n blues y música negra en general.

Su preocupación por la estética era enorme, lo cual no siempre era sinónimo de buen gusto (las chaquetas hechas a partir de la bandera de Gran Bretaña es de un gusto tan dudoso como ofensivo para los patriotas) y gustaban de los trajes de estilo italiano con americanas ajustadas de tres botones y pantalones también estrechos y sin pinzas. El flequillo era otro signo distintivo del movimiento mod, al igual que las Vespas llenas de espejitos.

Brighton. Esta ciudad del sur de Inglaterra fue uno de los centros neurálgicos del movimiento. En la pedregosa playa de Brighton (donde no hay arena, sino cantos) acontecieron en los años 60 las batallas entre los mods y sus enemigos los rockers. También esta ciudad sirvió como escenario de Quadrophenia, la película emblema del movimiento. Otro gran escenario de este movimiento fue Carnaby Street, la calle londinense que se atestó de las tiendas de ropa que tanto necesitaban.

Música mod. ¿Había grupos mods? Sí, algunos de los mejores grupos de la historia.

The Who. Fueron The Detours y The High Numbers, pero Pete Towshend, Roger Daltrey, John Entwistle y Keith Moon, terminaron convirtiendose en The Who. Tuvieron su primer éxito con I can’t explain (con la guitarra de Jimmi Page, al igual que en el Black is black de los Bravos), pero fue el tema My generation el que los encumbró como grupo oficial del movimiento mod, que ya tenía su nuevo himno. Hicieron un ritual del destrozo de sus instrumentos musicales (especialmente Towshend y Moon) y sus conciertos eran un auténtico espectáculo. Dieron una nueva dimensión a la música pop a partir de la producción de sus óperas rock Tommy o Quadrophenia, que posteriormente tendrían su particular versión cinematrográfica. Esto no hubiera sido lo mismo sin ellos.

The Kinks. Los Rolling eran los chicos malos y si los Who no se convirtieron en los chicos locos, fue porque Ray Davies, su hermano Dave y cía, estaban ya por ahí. The Kinks eran una locura genial como reconocían sus compañeros de generación, que les llevaba a hacer cosas como cortar los cables de los amplificadores de los demás grupos que compartían escenario con ellos. Pero también hicieron maravillas musicales como la archi famosa You really got me, All day and all of the night, Waterloo sunset, Lola, o Sunny afternoon.

The Animals. La versión de la tradicional The house of the rising sun hizo famoso al grupo de Eric Burdon, aunque también temas como I’m crying, Baby let me take you home o Don’t let me be misunderstood. Tuvieron el privilegio de irse de gira con Chuck Berry y fueron un ejemplo del rythm ‘n blues británico más rabioso. Años más tarde, Chas Chandler, bajista de la banda, descubrió a un chico negro llamado Jimy Hendrix que “tocaba la guitarra”.

Alexis Korner Blues Incorporated. La banda de Alexis Corner (el otro John Mayall) es quizá una gran desconocida, pero por ella han desfilado Mick Jagger, Robert Plant, Keith Richards o Brian Jones. La semilla de los Stones, fue una de las principales bandas británicas de blues en los 60.

John Mayall. Al igual que la banda de Alexis Corner, sin haber tenido nunca un enorme éxito comercial, sus Bluesbreakers siempre han sido un grupo de culto por el que pasaron Eric Clapton, Peter Green o Mick Tylor.

The Yardbirds. Empezaron como banda purista de rythm ‘n blues. Pagaron el pecado de triunfar con el tema pop For your love con la pérdida de su guitarrista Eric Clapton. Claro que, si el que le sustituye es Jeff Beck, el trauma no es tan grande, y menos cuando el sustituto de este segundo es Jimmi Page. Se debatieron entre su línea más pop y psicodélica y la más clásica del blues. Como dato curioso, en su primera gira los Led Zeppelín de Jimmi Page tuvieron que denominarse como New Yardbirds para hacer frente a los compromisos contraidos por el guitarrista en su última etapa en la banda.

The Rolling Stones. Sí, los Rolling Stones. Nunca se significaron de la misma forma que The Who u otras bandas, pero en sus primeros tiempos, cuando cantaban versiones de Chuck Berry y clásicos del blues, o pedían prestadas canciones a Lennon & McCartney, peinaban flequillos, llevaban traje y camisetas de rayas.

The Small Faces. Uno de los primeros casos en los que cuatro mods se juntaron en una banda fueron los Small Faces. El grupo de Steve Marriot tuvo una vida azarosa y grandes éxitos como My mind’s eye o Sha la la la lee. Su batería Kenny Jones acabó sustituyendo a Keith Moon en The Who tras el fallecimiento de este, Steve Marriot colaboró con Peter Frampton. Rod Stewart (eminente mod en sus comienzos, hasta el punto de ser conocido como Rod the mod) fundó junto The Faces con el futuro Stone Ron Wood y algunos miembros más de los extintos Small Faces.

The Jam. Este grupo no corresponde a la época dorada del movimiento en los años 60, pero en los 80 se convirtió en buque insignia del pequeño resurgimiento del mundo mod. Paul Weller fue su lider. Curiosamente, Weller no era precisamente fan de The Who y a Pete Towshend la banda de Weller poco más o menos que se la sudaba.

The Troggs. Reducto mod cuando casi todas sus bandas se pasaron al flower power. Aún todavía acuden a la Purple weekend (festival mod celebrado en León en la actualidad) a defender sus grandes éxitos como With a girl like you, Love is all around (sí, la de “Cuatro bodas y un funeral”), y la archi famosa Wild thing.

Graham Bond Organization, Manfred Mann, Georgie Fame, Chris Farlowe, The Them, The Pretty Things, The Spencer Davis Group, The Artwoods, Davie Jones & The King bees (Ese Davie Jones no es otro que David Bowie), The Creation…

Quadrophenia. Definitivamente esto no hubiera sido lo mismo sin The Who. Fue Pete Towshend el que en el año 1973 ofreció al mundo su gran opera rock Quadrophenia, un disco que narraba la historia de Jimmy, un joven mod que aprende de mala manera que un mod sólo es un mod después de ser él mismo. A finales de los años 70 se rodaría la película basada en el álbum con la aparición estelar de Sting en la que él considera su peor película (quizá porque ha olvidado La Prometida). Sea como fuere, esta cinta se ha convertido en película de culto no ya sólo para el mundo mod, sino para el mundo del rock en general.

Mods en España. El movimiento mod llegó a España con el resurgir de los años 80. Grupos como Dr. Explosion o los Flechazos han continuado la tradición. En los 60 España tuvo al grupo catalán Los No, que sin definirse mods, se hicieron muy célebres con destrozar el equipo al estilo Who. León se convirtió hace años en la capital mundial del mundo mod al ser sede de la Purple weekend, un festival de música mod que ha contado con grandes grupos de ayer y de hoy como The Troggs, Georgie Fame, The Mockers o The Undershakers.

¿Eran mods los Beatles? Aunque los Beatles empezaron con ropa de cuero al más puro estilo Gene Vincent, tras su periplo en Hamburgo cambiaron a un look más próximo al mod fashion. Una vez le preguntaron a Ringo si él era rocker o mod. Ringo se confesó “un mocker”.

La historia de "Parchis", por Ramón LSD

La entrada ha sido eliminada por petición de Ramón LSD..

Oliver y Benji, un estudio de campo.

¿CUÁNTO MIDE EL CAMPO DE FÚTBOL EN EL QUE JUEGAN OLIVER Y BENJI? Seguro que cientos de veces te has preguntado como era posible que un partido de fútbol de 90 minutos durase capítulos y capítulos en esta serie japonesa... Aquí está este documento que cambiará tu idea sobre la vida, la tierra y el fútbol.Para encontrar la distancia a la que se ve el horizonte, basta un poco de trigonometría:El radio de la Tierra (6327 Km.), el radio de la Tierra más la altura del observador (calculémosle 1'70 m, aunque sean japoneses, y por tanto pequeñitos), y la línea que va de los ojos del observador al horizonte forman un ángulo rectángulo. El ángulo al centro de la Tierra resulta ser ß. De aquí se puede deducir la ecuación: 6378 Km = 6378,0017 Km*cos (ß)Es de ella de donde se puede obtener el ángulo al centro de la Tierra (ß). Como final de la parte científica, la distancia del observador a la línea del horizonte se puede calcular como 6378,0017 Km * sin (ß). Ah, ¿que queríais sólo la medida? Bueno, la cuestión es que la distancia a la que una persona de 1,70 m de altura ve el horizonte es de alrededor de 4'5 Km. Teniendo en cuenta que la línea de puerta aparece cuando un jugador está (más o menos) a 3/4 de la longitud del campo, es fácil deducir que Oliver y Benji juegan en un campo de aproximadamente... ¡¡¡ 18 Km. de longitud !!! Y aquí comienzan las cuestiones que a uno le acuden a la cabeza inmediatamente: ¿A qué velocidad media corre Oliver (o Mark o Julian)?. ¿A 150 kilometros por hora? (Esto explica por qué este pobre enfermo del corazón no consigue nunca acabar un partido). Pero hay más preguntas: ¿Os habéis fijado en cuando Oliver Aton chuta desde su área un balonazo que atraviesa los 18 Km. de campo, agujerea la red e incluso la pared del fondo? La pregunta obvia es: ¿Hacen controles anti-doping en Japón? ¿A que velocidad dispara Oliver? ¿A 16.800 kilómetros por hora? ¿No rompería la barrera del sonido varias veces? ¿No se reventaría el balón varias veces? El balón... ¿es en realidad un balón o una bala de cañón de la primera guerra mundial? ¿Como puede un portero como Benji parar un cañonazo de Oliver? ¿Le arrancará los brazos o parará el balón disparando un misil tierra-aire con un misil Sidewinder? ¿Usará un Bulldozer? Y poniéndonos tétricos... ¿Y si el balón impacta en la cabeza de otro jugador (o en otro jugador) nada mas ser disparado a la velocidad de 16.800 Km./h? ¿Le arranca la cabeza o lo atraviesa? ¿El balón revienta? ¿Revienta la cabeza? ¿Como logra Oliver que no se le salgan los huesos de la pierna? ¿Dando varias vueltas sobre si mismo hasta que acaba el giro por inercia? Otra más: ¿Qué esquema de juego usan? ¿Será el 1-1-1-1-1-1-1-1-1-1? ¿En qué consiste la técnica del contragolpe? ¿Cómo reclaman los defensas "fuera de juego"? ¿Disparando una bengala al aire? ¿Cómo detienen a un jugador lejano? ¿Le disparan? ¿A las piernas, o hasta que se detenga? Si un hincha enfervorecido invade el campo, ¿cómo y cuándo lo pillan? ¿Usan un misil tierra-tierra? ¿Llaman a Mazinger Z?. Si un jugador cae a tierra, ¿no se arriesga a morir antes de que lo encuentren? ¿Cómo se puede hacer una obstrucción? Al final del partido, ¿pasa el autobús a recoger a los jugadores, o deben dirigirse solos al vestuario? ¿Cómo sabe el árbitro si los jueces de banda señalan algo? ¿Con emisoras de radio? Si uno atraviesa a la carrera todo el campo, regatea a todos, portero incluido, digamos tras un par de horas de carrera, y tira a puerta vacía y falla, ¿qué hace? ¿Se mete un tiro allí mismo? ¿Y cuando descubre que el partido había acabado hace media hora, e incluso había pasado el descanso? ¿Como hace después el que corta el césped para mantenerlo cortado? ¿No crecerá otra vez la hierba antes de que termine de realizar su trabajo? ¿Esta condenado a realizar un trabajo sin final? ¿Trabaja mientras juegan? ¿Con que pintan las rayas del campo? ¿Con un F-18 en vuelo rasante? Si en un partido se ve más de un gol, ¿pasa a la Historia? Si un jugador llamado por el árbitro escapa para no dejarse reconocer, ¿organizan un equipo de búsqueda? Si un equipo consigue mantener el control del balón durante, digamos, tres cuartos de hora, y un jugador lo pierde, ¿qué le hacen? ¿Vivisección? Cuando deben hacer un cambio, ¿envían a los boy-scouts a avisar? ¿Cuántos asientos hay en las tribunas? ¿Caben los habitantes de países enteros en las gradas del campo? Para encontrar tu asiento... ¿Debes llevar un GPS? ¿Un Vespino? ¿Los ultras se comportan como de costumbre, o están demasiado lejos? ¿Con qué lanzan objetos al campo? ¿Con un bazooka?¿Como ve el público algo de lo que ocurre en el lado opuesto del campo? ¿Con retransmisiones vía satélite? Y si un equipo juega encerrado en su campo... el publico del otro lado del estadio, ¿que hace mientras tanto? ¿Se van a casa a dormir o se hacen un sudoku? Y ahora que lo pienso... ¿Y SI HAY NIEBLA? En fin, debe quedar claro qué para jugar un partido de 90 minutos se necesitan 200 capítulos de media hora...

La música de los 80 en Alemania

¿Por qué se produjo el "boom" de la música alemana en los 80? Desvelemos el secreto: Mucha variedad, melodías pegadizas, innovación técnica, mucha, mucha, mucha imagen y buenas producciones.
Repasemos uno por uno a los principales exponentes de este fenómeno musical.


href="http://photos1.blogger.com/blogger/4447/3084/1600/boneym.jpg">Boney MAparecieron a mediados de los 70 y se situan como uno de los grandísimos representantes de la música disco en Europa. Los componentes eran jamaicanos y de West India, aunque desarrollaron toda su carrera en Alemania como cantantes de sesión antes de convertirse en grupo. Entre sus mayores exitos están "Rasputin", "Ma baker", "Rivers of Babylon", "Brown girl in the ring" y, por supuesto, el "Feliz Navidad" que se pincha inevitablemente en todas las discotecas a finales de año desde hace cinco lustros.


18 discos de platino, 15 de oro, 200 singles de oro/platino y 150 millones de discos vendidos avalan un "poquito" la importancia de este grupo, y eso que en EE.UU ni siquiera los conocen !!!!

KraftwerkAparecieron a finales de los 70. Inventores y padres junto a "DEVO" del technopop, precursores en el sonido de sintetizadores y cajas de ritmos y en el uso de ordenadores para sus composiciones. La música technopop ha bebido y bebe continuamente de sus fuentes.
Sus componentes a veces decidían montar un espectáculo en escena, acompañados de robots. Sus componentes raras veces aparecían en fotografías. La mayoría de las veces utilizaban digitalizaciones de las mismas o diseños en 3D que se les asemejaban.
Destacar como temas punteros de sus inicios "The robots" y "The model". En posteriores etapas, "Tour de France" o "Boing, Boom, Shack"

Michael CretuCompositor, cantante, arreglista y productor. De Origen Rumano, desarrolló gran parte de su carrera en Alemania y despues en Ibiza. Como cantante destaca un tema suyo, "Samurai". Con ritmos completamente diferentes, aunque con un mismo estilo inconfundible, conjunción perfecta de voces, efectos y teclados, se convirtió en uno de los abanderados de la música "new age" en los 90 como cabeza pensante de "Enigma". Tambien trabajó con Hubert KaH, Boney M, Mike Oldfield y Peter Cornelius.



SandraDescubierta y promocionada por Cretu, con el que se acabaría casando. Una cara bonita, una voz preciosa con enormes registros y sobre todos, un tema, "Maria Magdalena", con el que saltó a la fama en toda Europa. Destacan también "Everlasting Love", versión de un tema de un grupo llamado "Love affair" e "In the heat of the night". Desde 1990 ella y Cretu viven en Ibiza.
En la mayor parte de sus temas Cretu cantaba con ella o hacia coros.



Jennifer RushEstadounidense de nacimiento, y a pesar de ello prácticamente desconocida en Estados Unidos. Hizo su breve aunque exitosa carrera como cantante en Alemania. Interpretó uno de los baladones por excelencia de los años 80, "The power of love", que en castellano se tituló "Si tu eres mi hombre". De paso efímero y poco éxito posterior, quedó sin embargo muy bien situada en nuestros recuerdos ochenteros.



Modern Talking - Blue SystemHubo un tiempo en el que era imposible esconderse del asedio musical de este duo. Su primer exito "You can win if you want" les mostró el camino a seguir, y lo siguieron, sin apartarse un milímetro de el. Su producción se parecía tanto que cualquier no iniciado podía distinguir una canción de Modern Talking a los pocos segundos de comenzar a escucharla. Su carrera musical se convirtió en una de las más prolíficas en menos tiempo, editando seis discos en apenas tres años. Tras esta etapa, ambos comienzan sus carreras en solitario: Dieter Bohlen, el rubio, continuó como "Blue System" y Thomas Anderson, el moreno, lanzó tambien varios discos. Hace siete años volvieron a unirse como Modern Talking, con un recopilatorio que volvió a ser superventas, para separarse definitivamente por desaveniencias hace mas o menos un año.
Recomendamos, aparte de las conocidisimas "You're my heart, you're my soul", "Brother louie" y demás, que escucheis "In 100 years" y de Blue System "Sorry little Sarah".

Bad Boys BlueContinuadamente a la sombra de Modern Talking pero con temas bastante superiores a ellos y sobre todo, menos repetitivos, acreditaron su buen hacer con "Kisses and tears", uno de sus primeros sencillos. Después vinieron, entre muchos otros, "Come back and stay" y "Queen of hearts", que fueron autenticos llenapistas en nuestro pais. Les falto el glamour y la promoción a nivel europeo, y sobre todo, en España, que tuvieron Modern Talking, pero les sobraba talento creando música de baile. Recomendamos cualquiera de sus canciones menos la versión en castellano de "Save your love" ("Guarda tu amor"), salvo si te quieres echar unas risas... y es que los pobres no anduvieron muy afortunados al pasar ese temazo a nuestro idioma.
C.C.CatchLa misma historia de Modern Talking se puede aplicar a C.C.Catch. De hecho, M.T fueron sus descubridores y productores. Y la tónica de explotar la linea del exito sirvió tambien para C.C.Catch. Curiosamente, cuando decidió dejar esa linea para hacer otro tipo de música su público la dió la espalda, y aunque sigue aun en activo, su éxito es tan escaso que apenas se ve. De hecho, si visitaís su web oficial parece que reniega de su pasado, pues no hace ninguna referencia a su discografía anterior.


"I can loose my heart tonight","Heaven and hell","Backseat of your cadillac", son solo algunas de las mejores canciones de esta belleza teutona.

Nena"99 red balloons" en la versión anglosajona o "99 luftballons" en la alemana es el tema que la encumbró y que ha sido versionado hasta la extenuación por muchos grupos. Sin embargo Nena tambien hizo otros grandes temas como "Ingerdwie Ingerdwo Ingerdwan", reeditado ahora con Kim Wilde como compañera(el titulo en inglés es"Anytime Anywhere Anyone"). Una de las artistas con imagen más radical de toda la música alemana.

Nina HagenY si hablamos de imágenes radicales, la que se lleva la palma es esta artista. Comenzó en la escena a finales de los 70 (1978) y su música era una mezcla de afterpunk, opera, cabaret decadente y rock electrónico. Su canción mas sonada fue "New York", que fue TOP TEN en EE.UU y que ni tan siquiera recomendamos que escucheis, porque es mas rara que un perro verde. Destacó sobre todo por su total excentricidad.



No están todos los que fueron, pero la muestra es lo bastante amplia como para hacerse una buena idea de porque Alemania tuvo tanta importancia musicalmente hablando en esta época.

Tino Casal, el "adelantado" a su época.

José Celestino Casal nació en Tudela-Veguín, Asturias, en 1950. Desde muy pronto sintió atracción por la música, influenciado por su hermano del que tiempo después dijo admirar su buena voz.
Estudiando en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo, hacia los trece o catorce años, Tino formó con unos amigos un grupo de rock que llamaron "Zafiros Negros".
Siendo adolescente tuvo la oportunidad de ingresar como cantante con "Los archiduques", grupo puntero del rock asturiano que había logrado el imposible de grabar 2 E.P's. Casal fue el cantante elegido para sustituir al cantante "titular" en su segunda grabación, "No le ames"-"Lamento de gaitas".


Durante su estancia en "Los archiduques", Casal echaba de menos la frescura de sus primeros años de cantante, pero tuvo la oportunidad de aprender valiosas lecciones sobre la promoción discográfica. La pasividad a que los condujo su relativo éxito empezó a hacérsele incómoda, y decidió separarse del grupo en 1968.



Se dedicó un tiempo a estudiar arte y decoración y a viajar por el extranjero, en especial Alemania y Londres, donde se relacionó con algunas de las estrellas del incipiente Glam, entre ellos Brian Ferry y David Bowie. De vuelta en España firmó un contrato con una multinacional que intentó aprovechar sus dotes vocales en un estilo parecido al de artistas como Nino Bravo y Bruno Lomas. Se presentó al Festival de Benidorm de 1975, pero abandonó esta nueva etapa para dedicarse a la producción porque "querian lanzarme como un cantante melódico / folklorico".



Grupos como Salvajes, Goma de Mascar, Tacones y Obús pudieron así beneficiarse de sus conocimientos musicales. También grabó dos discos con una nueva banda propia pero terminó desentendiéndose de las intenciones comerciales de la compañía.



Desengañado de la música, se dedicó algún tiempo a la pintura y a dirigir un pub que pronto se situó como lugar de reunión de jóvenes modernos y del incipiente movimiento punk.





Pintando una portada para un disco de "Azul y Negro" conoció a Julián Ruiz, productor, escritor y locutor de radio, que desde entonces sería su amigo y productor de todos sus discos, además de su mayor defensor.



Por fin, en 1981 graba su primer disco verdaderamente propio: "Neocasal", donde agrupa ya buena parte de los elementos que definieron su madurez artística. Además de componer, arreglar, tocar la batería y cantar los temas, Casal utilizó su reconocido talento para la pintura en la presentación del LP.


Ya entonces destacó la calidad de su voz, que Julián Ruiz definió en la presentación del disco: "Posee una técnica elevada, un poder de afinación superior a la media habitual. Es una voz con gusto, dúctil, llamativa, con un arco iris de posibilidades."




Su experiencia en el mundo musical le llevó a participar activamente también en el diseño de la promoción del disco, convenciendo a los productores para hacer más hincapié en las presentaciones en televisión que en actuaciones selectas que según opinaba, no le habrían permitido una difusión suficiente. La estrategia demostró ser un éxito y las frecuentes actuaciones que protagonizó en los programas musicales de moda entonces, como Aplauso o Tocata, conseguían por su espectacularidad atraer la atención de cualquiera que estuviera próximo a un televisor.



La grabación causó sensación en su época, con grandes éxitos como el archiconocido "Champú de Huevo" o "Billy Boy" y concedió al autor una posición definitiva en el ambiente discográfico español. Dos años después obtuvo un nuevo éxito con su siguiente single, "Embrujada", que habría de convertirse, probablemente, en su canción más famosa. Presentado con un video-clip de gran éxito en el momento, el tema fue un adelanto de su segundo LP: "Etiqueta Negra".
Este momento suele considerarse el punto más elevado en la creatividad y calidad de la producción de Casal. Ya entonces, su particular estilo, entre lo personal y el diseño pero siempre enmarcado dentro de lo hortera, le valía la aversión de muchos hasta el punto de ser habitualmente insultado por la calle. Pese a ello, Casal movía verdadero entusiasmo en fanáticos seguidores suyos capaces de elevar, sin el consenso general, sus pocos discos a la categoría de superventas.
Los defensores de Tino destacaban por igual el contenido a la vez popular y profundo de sus letras, en apariencia no muy meditadas, y la factura técnica de sus producciones.




La crítica fue siempre contraria a Casal, debido a su gran ambigüedad: la mayor creatividad musical y estética al servicio de la nada, del vacío; algo que la crítica nunca le perdonó. Unos escribieron "El Boy George asturiano en otra horripilante exhibición de talento comercial y total ausencia de gusto. Maquinaria electrónica, aullidos intolerables y mucha jeta, balanceándose impunemente sobre la difusa línea que separa lo sofisticado de lo cutre. O no tiene vergüenza, o está loco de atar. " (J.L., "Rock Espezial", 1984).

Otros fueron entusiastas al alabarlo: "la banda y el sonido es impecable y funcionan con la misma precisión de las bandas de Frank Zappa -por poner un ejemplo- y el vestuario y puesta en escena rebosa imaginación y gusto hasta el punto de justificar por sí solo el show, la forma por la forma. " ( Miguel Angel Arenas, 1982).

En 1984 publicó "Hielo Rojo" y el estribillo de "Pánico en el Edén" es elegido como sintonía de la Vuelta Ciclista a España. Tocaba a su fin la época de la transición, en que era habitual ver por las calles "bichos raros", como él mismo se definió en una de sus canciones. Su propia casa era un museo de la extravagancia y la excentricidad, con paredes negras y rojas, hasta en el cuarto de baño, sobre las que destacaban algunos muebles rosas y de otros colores chillones. No es de extrañar que Pepa, su novia desde 1973, prefiriera vivir en Oviedo.

En cualquier caso, la suya no era una pose artificial, un llamar la atención para vender más discos. Como él mismo decía, "yo no fomento el que me miren, no provoco. Yo siempre he sido así." aunque también tenía muy claro que música e imagen van de la mano y "que si yo quiero vender mis discos, tengo también que tener una imagen que responda a lo que está sonando. Entonces tengo que sacrificar mi vida privada, mi forma de ser".




Durante una actuación en Pachá sufrió un esguince para el que le recomendaron reposo, pero no quiso interrumpir la gira y se automedicó hasta el momento en que no pudo ya soportar el dolor. "Fui al hospital para que me revisaran la pierna y me dijeron que estaba al borde de la muerte. Con el tiempo me di cuenta de que estaba vivo de milagro", explicó algún tiempo después.
Tras estar 19 días en la UVI sin comer ni beber, afectado por un proceso infeccioso de origen desconocido y por el que le extrajeron hasta cuatro litros de líquido infeccioso de la pierna izquierda, se le diagnosticó una dolencia hepático-renal derivada en una necrosis en ambas caderas. Este diagnóstico salió al paso de los rumores que lo relacionaban con el Sida. Fue sometido a varias operaciones y relegado a una silla de ruedas hasta lograr, contra lo más probable, recuperarse casi por completo.




Después de tres años de vivir apartado de la escena pública, reapareció en 1988 con "Lágrimas de Cocodrilo", que le supuso un nuevo éxito en las pistas de baile con su versión del "Eloise" de Barry Ryan. Sin estar aun recuperado por completo de su larga convalecencia, las secuelas de su enfermedad le llevaron incluso a actuar sentado.






En "Histeria 1990", empezaba a quedarse al margen del teatro de famosos, pero sus proyectos y entusiasmo por la vida no habían decrecido: "Quiero entrar en el ciberespacio, trabajar con hologramas y con infogramas. Quiero probar técnicas laser y fasher".

Al regreso de una fiesta en Atica, la madrugada del 22 de Septiembre de 1991, su Opel Corsa derrapó en una curva y se empotró contra una farola. Allí se perdieron sus proyectos y su vida. El recopilatorio que había estado preparando, titulado "Grandes Éxitos- Etiqueta Negra", fue su último éxito.

Después de él, la crítica pudo por fin ignorarlo y apartarlo de la historia de la música. Damián García Puig expresó su singularidad en una de sus críticas, esta vez positiva, acerca del polifacético Casal: "Y al que no le guste, que se compre un perro".


Y para terminar. ¿Sabías que...
...la canción "Lamento de gaitas", de "los archiduques" es una versión del tema "I Love How You Love Me" de los hermanos Paul y Barry Ryan, curiosamente los mismos autores del tema "Eloise" original...
...y que los mismos "archiduques" ya realizaban una versión de "Eloise", en aquellas épocas?
...que circularon varias leyendas urbanas acerca de la muerte de Tino Casal, como que se habian encontrado varias botellas vacias en el coche?

Olvido Gara, "Alaska", para los amigos...

Olvido Gara, más conocida como Alaska, nació el 13 de junio de 1963 en Ciudad de México.
Eligió el nombre artístico de "Alaska", tomándolo de una canción de Lou Reed. Alaska se inició en el mundo del rock en 1978, año en que se formó Kaka de Luxe, banda de orientación punk que desaparece en 1979. Ese mismo año, junto a Nacho Canut, Carlos García Berlanga y Manolo Campoamor crea "Los Pegamoides".Además acompaña a Radio Futura y al dúo formado por Pedro Almodóvar (si, ese "Peeeeedroooo") y Fabio McNamar (Almodóvar & McNamara).

En 1980, entran en el grupo Ana Curra y Eduardo Benavente,consolidándose así Alaska y Los Pegamoides, que se disolverá en el otoño de 1982.Con la marcha de Carlos Berlanga, Nacho Canut, Toti y Eduardo Benavente, Ana Curra formó con Eduardo el grupo Parálisis Permanente y Alaska se unió a Dinarama, el proyecto de Carlos y Nacho.


Nacía así Alaska y Dinarama, formación con la que gozaron de mayor éxito durante la década de los 80, convirtiéndose en uno de los mejores grupos del país.Sus tres primeros discos le sirven para consagrar su personalidad como 'reina de la movida' y participar en diversos programas televisivos, entre los que destacó su labor en el programa "infantil" 'La bola de cristal'. Alaska se convertía en la imagen del grupo, abandonado la estética "punk" de sus inicios.Discos destacados de esta época de Alaska son 'Deseo carnal', 'Canciones profanas', 'No es pecado' y 'Diez'.


Y después de "Diez" llegó "Fan fatal", el auténtico cambio. En lo estético desaparecen las fotos del grupo en la portada; en lo musical adoptan un concepto más inglés, la música del disco se unifica, y se apuesta por lo electrónico. (Hay bastantes "Samples" tomados , por ejemplo de "Pet Shop Boys")
Berlanga se va por discrepancias ( prácticamente ni grabó el disco con Alaska y Nacho ) para seguir su carrera como solista.






Y Fangoria...¿Que es Fangoria?.Pues Alaska y Nacho Canut. 8 albumes de sonido electrónico y la banda sonora de "la lengua asesina", que, a pesar de ser muy buenos productos, no cuentan con el tirón salvaje que tuvieron las formaciones anteriores.
Podríamos considerar "Fangoria" como la excusa de dos artistas reconocidos para hacer un proyecto contando lo que de verdad quieren contar, sin estar sometidos al fenómeno "ventas".
Aparte de en su proyecto, ambos colaboran frecuentemente con otros grupos del panorama nacional de reciente formación, como "Nancys rubias" o "Glamour to kill".


Y para terminar, ¿sabias que...
..."Divina", la canción de Radio Futura, está dedicada a Alaska?
..."Glamour to Kill" es uno de los grupos españoles de música de baile con mas éxito en Europa, a pesar de ser prácticamente desconocidos para el gran público en España?
...Alaska (Fangoria) grabó una canción llamada "Basura", con el trio "Los Panchos"?, y que además, suena muy, muy bien?.
...Alaska es una reconocida "DJ" y que con su "set" ha acompañado a grandes grupos de los 80 y 90, como Kraftwerk y Bomb the Bass?

Rodriguez? Calamaro? Nooo, Tequila!!!

La historia de "Tequila", por Raúl Melero.

Antes de empezar, ubiquémonos. Estamos hablando del año setenta y ocho, recién legalizado el Partido comunista, cuando la FM, con apenas un lustro de vida, empezaba a apostar fuerte por la música más actual. También la televisión, que en años venideros dará cabida en programas como “Aplauso”, “Tocata” o “300 millones” a las actuaciones de los grupos de la llamada “movida”. El estreno Fiebre del sábado noche ha resultado todo un éxito y por si no tuviéramos bastante con Iván y Pedro Marín, a Juan Pardo no se le ocurre otra idea mejor que apadrinar el debut de los Pecos.


Por supuesto que había rock 'n' roll, y grandes grupos como Burning, Leño o Asfalto (o cualquiera de los incluidos en el doble álbum Viva el rollo), pero aunque su carácter marginal y barriobajero no les impedía convertirse en grupos antológicos, sí les vetaba el acceso al gran público. También acababa de llegar a España Moris Birabent, autor de la más famosa versión de Blue suede shoes en castellano (zapatos de gamuza azul) y del gran clásico Sábado noche, pero era demasiado mayor ya para convertirse en un ídolo de masas. Y en este preciso instante, entra en juego Tequila.


Durante un concierto de Paco Ibáñez en Buenos Aires en el año 1970, dos pipiolos que habían ido acompañando a sus madres, se hicieron amigos por coincidir en que aquello no era lo suyo. Sus nombres eran Ariel Rot y Alejo Stivel. Su rollo era el rock y por si fuera poco, a escasos metros de casa de Ariel estaba el local de ensayo de los hermanos Makaroff. Los dos proto-rockeros se pasaban las tardes hablando de sus futuros éxitos musicales y posando ante el espejo, como recuerda Cecilia Roth, hermana de Ariel y ex mujer del también cantante Fito Paez.
Llegó el año 76 y la dictadura militar de Videla, y las familias de los chiquillos deciden con buen criterio emigrar a España. Ambas familias pertenecían a un círculo social de judíos progresistas (sus apellidos reales eran Stivelberg y Rothemberg), motivo más que suficiente para cruzar el charco. De esta forma, con apenas dieciséis años, Ariel y Alejo comenzaron a frecuentar los antros rockeros de la capital del reino y a disfrutar de conciertos de Ñu, Asfalto o la Spoonful Blues Band.


Después de un concierto de esta última banda, los osados porteños decidieron acercarse al bajista de aquel combo para ofrecerle las composiciones que ellos dos habían preparado. Aquel ofrecimiento cayó en saco roto en un primer momento, ya que aquellos dos pibes porteños no ofrecían demasiadas garantías. El gran misterio respecto a ese personaje no es por qué apenas un par de meses después llamaba a Ariel para que hiciera una prueba para entrar en la banda, si no si realmente su nombre era Felipe Lipe.
En aquella banda también se encontraban Julián Infante, un guitarrista tremendamente carismático que tuvo el privilegio de presenciar el concierto de los Beatles en Madrid, y un batería apodado “el Oso”. Alejo no tardó mucho más en entrar en la banda y, tras la marcha de “el Oso” al servicio militar (lacra de casi todas las bandas de la época) y la inclusión de Manolo Iglesias, la formación quedó completa. Decidieron cambiar su nombre por el de Tequila.


La banda incluso consiguió una actuación en el Un, dos, tres, en la que Ariel ofició de voz solista y que se recuerda cómo una chapuza inmensa por ambas partes. Pero ya se hablaba mucho de ellos, así que Mariscal Romero pensó que quizá sería buena idea grabar un single a aquella banda aprovechando que acaba de inaugurar Chapa, su propio sello discográfico filial de Zafiro. El single lo compondrían Necesito un trago en la cara A y Buscando problemas en la B. Pero Zafiro consideró que el potencial de la banda era enorme y que en la modesta Chapa se iba a desaprovechar, así que se tomó la decisión de que grabarían en Novola (sello donde los Brincos grabaron sus éxitos) con Luis Cobos tocando el saxo. Así se gestó Matrícula de honor (Novola/Zafiro, 1978).

De ese disco destacan sobre las demás Necesito un trago y sobre todo Rock ‘n roll en la plaza del pueblo, que se convirtió prácticamente en un fenómeno social. Reflejaba el cambio entre la España de charanga y pandereta y el nuevo país emergente que ansiaba la modernidad. Y por fin el rock 'n' roll en España tenía un grupo que, sin alterar su estilo, podía llegar al gran público y a ser portada de la Súper-Pop. Realmente a lo largo de su carrera Tequila se movió a ambos lados de la línea, pasando de tocar en conciertos para niñas a compartir cartel con Miguel Ríos, Ultravox o Blondie. Pese a todo, Mariscal Romero no dudará en hacer campaña contra ellos por lo que considera una traición.

Después de la grabación de este primer disco, Tequila oficiaría de grupo de acompañamiento en el legendario Fiebre de vivir de Moris. El rockero argentino jugaba a lo mismo que los Tequila, con lo cual la elección del grupo de sus compatriotas, cuya fama y prestigio subía como la espuma, era la elección más acertada. Fue también en ese momento cuando Gay Mercader entró como manager de la banda, tras volver de una gira con los Rolling Stones.


Quizá para callar las voces críticas, los muchachos de Tequila se encerraron en su local de ensayo (una chabola en mitad de Arturo Soria) para dar forma a lo que sería su siguiente disco al que llamarían Rock 'n' roll (Zafiro, 1979). Entre porro y porro (Calamaro no se suele equivocar cuando escoge compañeros de viaje), dieron a luz Quiero besarte (las letras marcadamente sexuales eran marca de la casa), Me vuelvo loco o Hoy quisiera estar a tu lado. En este disco también se incluirían versiones de Rock del ascensor de los hermanos Makaroff y Mr Jones del pope del rock argentino Charly García, versiones que Rot e Infante retomarían en su etapa de Rodríguez.

“En ese aspecto, Tequila nos malacostumbró bastante” afirma Ariel Rot con razón, pues a partir de ese momento empezó lo que ellos siempre habían soñado : Vivir el rock ‘n roll way of life de sexo, drogas y rock 'n' roll. Y es que, como afirmaba el crítico musical Diego Manrique, Tequila “desvirgó la España de la época en más de un sentido”.

Para grabar su tercer álbum, los chicos deciden marcharse a Londres para co-producir su nuevo Long Play con Meter McNamee. El álbum llevaría por título Viva! Tequila! (Zafiro, 1980), y a pesar de los grandes temas como Mira a esa chica, Dime que me quieres o Qué el tiempo no te cambie (los chicos se hacen mayores y su música más personal), el disco no llega al nivel de ventas esperado pese a que quizá sea el mejor trabajo de la banda en cuanto a producción y composición.


Llega el año 1981 y con él la peor aventura en la que se embarcó jamás Tequila. Alguien llega a la productora diciendo que en Japón hay muchas ganas de lanzar al grupo y ellos aceptan reunirse con los nipones en Londres (había miedo ante la crisis del aceite de colza) sin asesoría de nadie, para finalmente aceptar un despropósito de disco tal que incluso versionaban a Leif Garret, confiando en que cuando tuvieran éxito en la tierra del sol naciente pudieran grabar lo que les diera la real gana. Los diez mil ejemplares de Viva! Tequila! (Zafiro/Nipón Columbia , 1981) resultaron muy pocos para el gran mercado oriental.

Y como a perro flaco todo son pulgas, por si fuera poco les revientan el local de Arturo Soria y les roban. Con la nueva influencia de The Clash, vuelven a Inglaterra para grabar Confidencial (Zafiro, 1981), que tampoco consiguió llegar a las expectativas esperadas pese al despliegue publicitario y a temas como Salta o Nena. Curiosamente los dos últimos discos oficiales de la banda se consideraron fracasos pese a contener muchas de las canciones de Tequila que mejor han soportado el paso del tiempo.




Y aquí se acabó la andadura de la banda. Por un despiste olvidaron enviar la carta que detuviera la renovación automática de su contrato con Zafiro, con lo cual esta renovó el contrato de manera unilateral. Además, la discográfica había registrado el nombre de la banda como propio, en un alarde de malicia empresarial. La banda ya prácticamente no existía y Ariel Rot decidió hacer como Paul McCartney y largarse de la banda en vista del patético cariz que estaba tomando el asunto, dejando a Julián y Alejo en mitad de la grabación de la maqueta de lo que iba a ser su nuevo disco.

Pese a que comercialmente seguía siendo una banda poderosa, a efectos prácticos se caía a trozos. A causa de sus problemas con las drogas, Manolo había abandonado la banda y Felipe debía ser constantemente sustituido por Alex de la Nuez en los conciertos y alguna grabación. Julián Infante, un pedazo grande de la historia del rock en España como de manera justa lo definió Calamaro, también compartió adicciones con sus compañeros. Desafortunadamente, son Alejo y Ariel (que tardaron seis años en hablarse tras la disolución de la banda) los únicos ex Tequila que permanecen con vida.
Tras la disolución de la banda, Ariel sacó un par de discos en solitario (Debajo del puente en 1984 y Vertigo en 1985) que no tuvieron la misma repercusión que sus discos con Tequila y Julián anduvo con la mitad de las bandas de rock del país, colaborando por ejemplo con Glutamato ye ye o los Pistones. En el año 1988 comienzan las colaboraciones entre Ariel Rot y Andrés Calamaro, hasta que en el año 1990, Ariel convence a Andrés de que arrive en España y se una al proyecto que había ideado con su antiguo compañero Julián Infante. Andrés aceptó y poco después se convirtieron en Los Rodríguez. Por su parte Alejo Stivel actualmente es productor habitual de grupos como M-Clan, habiendo producido también a Sabina (por quedarnos con lo bueno).


La existencia de Tequila pareció borrarse súbitamente de la memoria colectiva, pese al gran éxito que gozó la banda en el corto periodo de vida que tuvo, algo que parece repetirse a lo largo de la carrera musical de Ariel Rot. El gran éxito de los Rodríguez a principios de los 90 pareció hacer resurgir el espíritu de Tequila y se sucedieron los discos recopilatorios y los homenajes (con alguna versión francamente prescindible, como siempre es estos casos). Es justo reconocer que Tequila fue el primer fenómeno mediático del rock 'n' roll en España y que fue germen de bandas posteriores. En cierto modo, Tequila nos enseñó cómo se hacía el nuevo rock 'n' roll en castellano

Mazinger Z, y lo que vino con el.

Situémonos históricamente.
Japón, tras la segunda guerra mundial, se convirtió en un país nuevo, y sobre todo, muy avanzado tecnológicamente hablando. Pero su mercado de cine no podía competir a nivel mundial con otros paises. De este modo se fué desarrollando poco a poco el mundillo de la animación.

"Mazinger Z", creado por Go Nagai, fue una de las primeras series de dibujos animados de robots y la primera en la cual el robot protagonista estaba dirigido por un humano.



La historia ya la conocéis: El Dr. Infierno, un científico tan sabio como cabroncete, encuentra en unas excavaciones en Rodas a los robots Mikenese. Elimina a todos sus compañeros de expedición menos a uno, el Dr. Kabuto.
Pero el Dr. Infierno no se rinde y consigue matar al Dr Kabuto, que justo antes de espicharla entrega a sus nietos Koji y Shiro su mayor creación : El Mazinger Z.


Koji, que como es adolescente es un descerebrado, se pone a intentar controlar al robot de 19 metros sin leerse el manual de instrucciones, y casi mata a su hermano. Menos mal que por allí pasaba Afrodita A que se lo impide...
Afrodita A era otro robot controlado por Sayaka, la hija del Dr. Yumi, compañero de investigación del Dr. Kabuto.
Juntos los dos robots, y uno andrajoso llamado Boss, hecho con chatarras, empiezan a luchar contra las bestias mecánicas del Dr. Infierno. Y bueno...así durante 92 capítulos. (Solo 24 emitidos en TVE)


Y aquí acaba la historia...


Pues no. Mazinger es derrotado en el último capitulo y se libra de una buena somanta gracias a otro robot, mas grande y con mas cuernos, que se llama, tatachaaaan, exacto, "Gran Mazinger"Esta vez, son solo 56 capítulos. Este nuevo robot es controlado por Tetsuya, mientras Koji se va a los U.S.A. a estudiar algo útil en la NASA.
El malo ahora es el General Negro, y los monstruos con los que se enfrenta son mitad animal, mitad robot.



Acaba esta serie y de repente, del espacio exterior, llega un robot, clavaiiiito a los dos anteriores, y cada vez con mas cuernos. Este se llama Grandizer. Y lo pilota un principe del planeta Vega. Los malos, que además fueron los que destruyeron ese planeta, ahora vienen del espacio, y Grandizer los da pa'l pelo a todos.
Koji pilota aquí circunstancialmente el modulo de acoplamiento (Esto si que es triste,¿Estudiar en la NASA para acabar de chofer?).



Por si fuera poco, unos años mas tarde, un chaval es atrapado en un agujero espacio temporal y viaja a una época donde una profecia dice que el, y no otro, debe liberar a un pueblo del ataque de unos dinosaurios.
Resulta que este chico acabará pilotando a GOD MAZINGER, un coloso de piedra de dimensiones enormes.




A Go Nagai se le va la pinza bastante, y poco después, crea una serie de tres capítulos con todos sus personajes llamada "El loco mundo de Go Nagai".
Si la encontraís por algún lado no os perdáis el capitulo 2 y el 3. El Dr. Infierno, Mazinger, el Barón Ashler, Koji, Sayaka...TODOS SON ENANITOS...



En comic, y en los U.S.A., se lanza MAZINGER NEGRO, tambien conocido por Mazinsaga o Z-Mazinger. Nuestro heroe robot un día aparece en un mundo en el que sus habitantes miden LO MISMO QUE MAZINGER.
En la linea de "los viajes de Gulliver", Mazinger debe enfrentarse a mil aventuras. La "prota" se enamora de Mazinger y acaba descubriendo que es un robot controlado por un "piojillo".




Casi para terminar, Mazinkaiser. La serie mas impactante que he visto en años. Primero, por lo fiel que es a la saga, retomando la historia original de Mazinger, y después, por la cantidad de escenas subidísimas de tono, las risas que te echas y la cantidad de violencia y tacos que sueltan.
Mazinkaiser es otro robot enorme, con mas cuernos todavía, que también fue creado por el Dr Kabuto en previsión de que alguna vez los malos consiguieran derrotar a Mazinger.Esta bestia parda mide casi el doble que Mazinger y mete unos porrazos que ni Ivan Drago a tope de esteroides. Son solo 7 capítulos, pero impacta ver el primero, cuando aparece este enorme aparato, y el último, en que no se salva ni el guionista.



Y para acabar (y cuidado con esta), lo último en Japón. PANDA Z. Un oso panda controla a un robot oso panda y juntos combaten contra otros malvados animales robot.

Y cuidado, que viene dando fuerte. Lo mismo cualquier dia nos la ponen en nuestras teles y nos enganchamos. La campaña de promoción ya ha comenzado, así que, presumiblemente, en breve llegará a España.

La factoria del...¿exito?

Mis amigas Bea y Laura y un servidor, un día hablábamos y hacíamos bromas en un programa de radio acerca de lo interesante que sería investigar "quienes" se encuentran detrás de cada uno de los grupos que actualmente pueblan el panorama musical español.
La idea surgió por culpa del tema "Carmen" (Esa que dice "Carmen, Carmen, voy a tener que emborracharme.."), de "Los Chunguitos". Alguien, no recuerdo quien, no sabía que ese tema había sido compuesto por Leonardo Dantés. (Este dato es totalmente verídico, por gracioso que sea).

Cuando dejamos de reir y nos centramos un poco, de alguna manera, me lancé a mi mismo un guante ( Soy ASI de listo) en forma de reto :

Intentar averiguar que hay detrás de la música actual, y sobre todo, y lo más importante, descubrir porque se da esta especie de "vacio creativo" en el que los grupos , los temas y los estilos se parecen tanto entre si.


La labor de investigación la puedo calificar, por lo menos, de dura. Los que me conocen un poco saben que no comulgo con Bisbales, Chayannes ni Raules. Tener que rebuscar páginas relacionadas con estos personajes no me hacía demasiada gracia, y a pesar de todo, tenía la sensación de que iba a encontrar una explicación coherente a este enigma tan pronto como le dedicase un tiempo razonable.

Asi pues, encendí mi flamante monitor nuevo y empecé mi personal búsqueda del "Grial Musical".
La maraña de clubes de fans, foros "de apoyo a..." y demás parafernalia de OT y GH, auténticos focos de difusión de nuevos artistas y grupos, me llevó a descubrir, casi por casualidad, que el productor de Bisbal era un tal Kike Santander. Un tipo colombiano, de Cali.

Googleando un poco no tardé en dar con su página web, en la que resolví ( creo que no me voy a equivocar en el porcentaje, y si no, juzgad vosotros mismos ) el 50 por ciento del enigma.
Este productor "hitmaker" cómo se le denomina "modestamente" en su sitio de internet, es productor, entre otros, de personajes como Chayanne, Thalia, Marc Anthony, Bisbal, Jon Secada, Jennifer López, Gloria Estefan, Selena ( la de Sonia y Selena ), Cristian Castro, Diego Torres, Azucar Moreno, Manu Tenorio y Raúl, además de los discos de la academia de Operación Triunfo (Primera edición).

Estupefacto, supongo que la cara de "bobochorra" que se me quedó en ese momento debió presentar una mueca sobrecogedora.
Entonces entendí porque toda esa música me sonaba a lo mismo:

"Coño...(o "Pollas", según seais de un sexo o de otro...)"
Es que ERA lo mismo. El mismo estilo, el mismo uso de instrumentos, la misma estructura, los mismos arreglos....En definitiva, la misma canción, escrita treinta veces con treinta letras distintas para treinta voces diferentes.


Cuando conseguí reponerme de lo que, personalmente, insisto, me pareció una tomadura de pelo mayúscula, apoyada además por 5 premios Grammy, decidí buscar un poco mas. Esta vez le tocó el turno a otro estilo.
Probé con el grupo "El Arrebato". En un principio, nada que ver con los anteriores.
"El Arrebato"........ goooooooogle.....a ver....Producido por ....José Ramón Florez.
Y junto a este grupo, producidos por el mismo José Ramón Florez, me encontré a Sergio Dalma, a Paulina Rubio, a Luis Miguel...Y a todo el elenco de OT 2º edición.
No podía salir de mi asombro. ( Cielos!!!)

En solo dos busquedas había acotado a los más representativos de las dos primeras ediciones de OT de una sola tacada.
Entonces me asaltó una duda: ¿Habría música mas allá de OT?


La tercera y última búsqueda, ( No hubo, ni habrá ninguna mas, y ahora entenderéis porqué) me la sugirió un grupo que siempre me ha gustado: MClan.
El productor es Alejo Stivel, compañero de Ariel Rot en su época de Tequila, allá por aquellos finales de los 70 y comienzos de los 80.

Abrí de nuevo Google. Crucé los dedos implorando mayor suerte...y no me sirvió de nada.
( De lo cual deduje que cruzar los dedos es una gilipollez bastante gorda ).

Ante mi tenía, por un lado a La Oreja de Van Gogh, La Rabia del Milenio, La Loca María, El Canto del Loco, La Tercera República, Circodelia y Carlos Nuñez.
Por otro, a La Cabra Mecánica, Lolita, Los Caños, Andy y Lucas, Joaquín Sabina y Belén Arjona
...y, por otro, POR SUPUESTO, el primer disco de UPA Dance, Rosa (de OT) y Verónica (Tambien de OT).

Esa tercera búsqueda fue suficiente. No quería intentarlo con mas, primero, porque me faltaba valor, y segundo, porque me temía que el resultado iba a ser parecido en cualquier caso.
No creo que haga falta decir que después de semejante consecución de chascos cerré la ventana de Google y me puse a escuchar una maqueta de un grupo casi desconocido, de las muuuuchas que llegan al bar.



Desde ese triste momento, y siempre en mi opinión, quedaban de sobra demostradas las siguientes conclusiones:

1.- Las discográficas no tienen ninguna intención de innovar: Van a tiro hecho con los productos que les aseguran un mínimo éxito.
2.- Las canciones son tan parecidas porque las visiones finales de ellas las hacen siempre una "élite" de escogidos. Y, a la vista del caso de, por ejemplo, Kike Santander, parece que algunos han encontrado una formula que "vende" y la piensan explotar hasta la saciedad.
3.- Los grupos, en todo este "baile", no pintan nada. Y si pintan algo, parece ser que quieren que sea del mismo "color éxito" que el resto.

No quiero que se me entienda mal.

Estos casos de super-productores han existido siempre.

Imagino que prácticamente todos los que leáis esta web recordareis, por poner algún ejemplo, los casos, en los años 80, de Modern Talking - C.C.Catch ( con canciones totalmente clónicas), o de la factoría Stock-Aitken-Waterman ( Algunos de sus artistas mas representativos eran Rick Astley, Samantha Fox, Kylie Minogue, Bananarama, Jason Donovan, Mel and Kim...) , cuyos temas eran tan similares que hasta a un discjockey experto le costaría distinguir uno de otro en versión instrumental.

El verdadero PROBLEMA de la música está en la saturación...

Para poner un ejemplo, voy a hablaros de mi:
Me encanta la cocina, y sobre todo, los platos de pasta, pero si comiera pasta todos los días, estoy seguro de que la acabaría aborreciendo aunque cambiara el aliño. Con la música me pasa lo mismo. Estoy ya cansado de escuchar siempre el mismo "plato de pasta", al igual que en su día lo acabé de escuchar, sin parar y sin alternativa, a estos que acabo de mencionar.

De verdad, de corazón, que alguien me responda: ¿No hay NADIE que sepa aportar algo nuevo a la música?.
Y si lo hay, y al final un buen día lo hace, ¿va a tardar mucho tiempo en intentar producir mas clones?

No creo que necesite REPETIRME:

...Cerré la ventana de Google y me puse a escuchar una maqueta de un grupo casi desconocido, de las muchas que llegan al bar...Me parecieron buenos. Me imaginé aquella canción con unas trompetillas de fondo, un poquito de "merengue-dance" en la caja de ritmos o unas palmadas flamenco-poperas en plan rumbita...
...y entonces me percaté :

DIOS!!!! Yo PODRIA ser un "AUTENTICO HITMAKER".

Haced la prueba en vuestros hogares. Seguro que vosotros también.

Dragones y mazmorras, historia de una censura

Hank, Presto, Diana, Eric, Sheila y Bobby son un grupo de amigos, de entre 8 y 15 años, que pasan una tarde divertida en el parque de atracciones. Los seis chicos suben a un coche de una atracción llamada "Dragones y Mazmorras" y, de pronto, caen a través de un agujero en el espacio-tiempo y aterrizan en un extraño lugar, vestidos con ropas más extrañas aún.Es el mundo fantástico de "Dragones y Mazmorras", habitado por monstruos, hadas, dragones, princesas, caballeros, gnomos, seres grotescos del pantano y sombras diabólicas. Hank y sus amigos no saben porque están allí ni como han llegado. Sólo saben una cosa: ¡Quieren volver a casa!.En este mundo hostil y extraño, los chicos tienen un gran aliado: el Amo del Calabozo. El Amo es un anciano sabio y venerable, dotado con gran poder y que conoce muy bien este mundo fantástico. El Amo entrega a los chicos armas poderosas para que puedan defenderse de los terribles peligros que les acechan.


La serie surgió como un reclamo publicitario de la TSR para conseguir vender y promocionar su juego de rol,Dungeons and Dragons (Dragones y Mazmorras). La idea principal era conseguir vender el juego a un público joven.Primero se hizo un capítulo piloto, "The night of no Tomorrow" (la noche sin fin) y luego se empezaron a hacer los demás.La serie tuvo bastante aceptación, por lo que empezó el normal merchandising : Juguetes, libros, comics y demás...Ahí comenzaron las primera críticas hacia ella. Las asociaciones de padres americanas la atacaban por la excesiva publicidad (¿¿Que dirán ahora de Pokémon??).


Pero las verdaderas y duras críticas llegaron después del episodio, "The Dragons´ Graveyard" (El Cementerio de dragones), en el cual se expresaba mucha violencia según las asociaciones de padres. A estas críticas se sumó la iglesia, diciendo que dicha serie era satánica.Después de eso, la TSR y Marvel decidieron suavizar la serie y contrataron a escritores de series ‘dulces’, como una escritora de Mi pequeño Pony... De esa época nos quedaron seis fatídicos episodios de los que solo se salvan dos y de milagro : "La Mazmorra en el Corazón del Alba" y "El Tiempo Perdido"...La serie fue cancelada justo después, tras 27 capítulos, y sin un final "lógico".


Gary Gygax argumentó que era por la baja audiencia de la misma pero siempre se ha rumoreado que fue por presiones de la Iglesia y de las asociaciones de padres... Eso jamás se sabrá... Lo único que sabemos es que, gracias a esa cancelación, nos quedamos los fans sin un final digno.


La serie original en inglés no tenía banda sonora, a no ser las pocas canciones que se oían durante los capítulos.En España y Francia, a las cabeceras se les puso una banda sonora, una canción para la serie. En Francia la serie no era conocida por "Donjons & Dragons", es decir, "Dragones y Mazmorras" en francés que hubiera sido lo lógico, sino por "Le sourire du dragon", que significa “La sonrisa del Dragón”. No solo en Francia le cambiaron el nombre a la serie y no la tradujeron tal cual. En Portugal, por ejemplo, la llamaron "La caverna du dragâo", que viene a significar “La cueva del dragón”.

Volvemos a Internet

Cuando en el 2005 creamos la web www.lamaquinadeltiempo.info , hoy desaparecida, intentamos que todos aquellos clientes de nuestro bar, los amigos, y los amantes de todas aquellas cosas de los ultimos 40 años que nos hacian sentir como niños pequeños, tuvieran un espacio donde supieran que se iban a encontrar con gente como ellos.

Lamentablemente no disponemos de tanto tiempo al día como para poder crear página tras pagina hasta hacer un portal y mantenerla actualizada, que era nuestra pretensión original. Asi que, un año despues de la aparición de aquella web, hoy ponemos a vuestra disposición este blog, que mantendrá la misma estructura y contenidos que la original, pero que al ser blog, os permitirá participar con mayor libertad y soltura.

Sin más que deciros, damas, caballeros, bienvenidos a "La máquina del tiempo - Valladolid".